Clásicos de Oro: Rush - 2112

My only gripe with 2112 is that I feel it peaks way, way too early. The title track, a 20-minute long rock epic that takes up the entire A-Side, is one of the greatest songs I've ever heard. What's after that, though, doesn't really compare. Don't get me wrong, none of what's here is bad - hell, I love stuff like "Passage to Bangkok" and the surprisingly emotional "Tears", but if you're coming right after one of the most legendary tracks in prog history, then you're always gonna have some blunders and missed opportunities in comparison.

Pretty awesome album, the forward thinking and inventive ideas displayed by Rush so far before it was commonplace in music is very neat...

En una época de cambios vertiginosos, donde el rock progresivo comenzaba a dar signos de desgaste y el punk irrumpía con fuerza, Rush se encontraba en una encrucijada. Su anterior disco, Caress of Steel, había sido un fracaso comercial, dejando a la banda en una posición incierta. Pero lejos de rendirse, decidieron apostar por algo grande: un proyecto que no solo desafiara sus límites creativos, sino que también se convirtiera en un himno generacional. Así nació 2112.

La historia comienza con el lado A del álbum, una suite conceptual dividida en siete partes. En ella, Rush teje una narrativa casi operística, una mini ópera rock que explora temas de libertad, creatividad y resistencia frente a la opresión. Es un viaje musical que fusiona la fuerza del proto-metal con la sofisticación del progresivo, creando un universo sonoro único. Desde los primeros acordes hasta el épico desenlace, este lado del disco transporta al oyente a un mundo donde la música es sinónimo de revolución. Por otro lado, el lado B ofrece un contraste refrescante. Aquí encontramos cinco canciones más accesibles, con un enfoque directo y lleno de la energía del hard rock de los años 70. Sin abandonar su esencia progresiva, estas piezas demuestran que Rush sabía equilibrar complejidad y simplicidad, logrando así un álbum que podía cautivar tanto a los fanáticos del género como a nuevos oyentes.

Contraportada del vinilo donde apreciamos a la banda.

Reflexiones personales:

•  Al principio, 2112 no fue fácil de digerir este álbum. Incluso yo tuve mis reservas: la voz aguda de Geddy Lee me resultó un obstáculo, y la densidad del lado A me dejó perplejo. Con cada escucha, el álbum empezó a revelar sus secretos. La ejecución instrumental es impecable, los cambios de ritmo y los arreglos son fascinantes, y la intensidad emocional termina por conquistar. Con el tiempo, me di cuenta de que estaba ante una obra maestra. Escuchar 2112 con el volumen al máximo es una experiencia que no deja indiferente a nadie. Los riffs salvajes, los cambios inesperados y su naturaleza conceptual crean una atmósfera épica que trasciende el tiempo. Rush había alcanzado un nuevo nivel, demostrando que las adversidades pueden transformarse en combustible para la grandeza. Hoy, miro atrás y recuerdo cómo este disco cambió mi percepción sobre la banda. 2112 no solo es un testimonio del talento de Rush, sino también un recordatorio de que la música tiene el poder de transformar y elevar. Si algo queda claro, es que la creatividad y la determinación siempre encuentran un camino para brillar.

Impresión final:

• El impacto de 2112 no solo transformó la carrera de Rush, sino que también marcó un hito en la evolución del rock progresivo. En un momento en el que el género se tambaleaba, Rush demostró que todavía había espacio para la innovación y la audacia. Este disco sentó las bases para el metal progresivo y consolidó a la banda como una fuerza creativa imparable.

Mini-datos:

• En la cubierta interior del vinilo original, aparece una nota junto a la suite titular reconociendo los paralelos entre su historia y la novela “Anthem” de Ayn Rand (traducida al castellano con el título ¡Vivir!). Su letra, como casi todas las letras Rush a partir de su incorporación a la banda, fue escrita por el baterista Neil Peart.

• La banda, aún bajo la presión de la compañía discográfica (Mercury Records) de no realizar otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, "Caress of Steel", que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero de Rush en figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (durante la promoción su siguiente álbum, "A Farewell to Kings"). El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "Moving Pictures".

01. 2112
a). Overture
b). The Temples of Syrinx
c). Discovery
d). Presentation
e). Oracle: The Dream
f). Soliloquy
g). Grand Finale
02. A Passage to Bangkok
03. The Twilight Zone
04. Lessons
05. Tears
06. Something for Nothing

Anexo: 

2112: La historia
En el año 2062, tras una guerra galáctica, los planetas se unieron bajo el gobierno de la “Estrella Roja de la Federación Solar” (“The Red Star of the Solar Federation”). El mundo se encuentra bajo el control de computadoras llamadas “templos”, que rigen en materias de literatura, música y pintura. En este mundo “prefabricado” un hombre, el protagonista de la historia, descubre un instrumento conocido en una época remota como una guitarra. El hombre comienza a rasguear sus cuerdas y a jugar con sus perillas y descubre que tiene la capacidad para crear su propia música, muy distinta a la de los templos. El hombre presenta su descubrimiento a los “sacerdotes” del templo de Syrinx pero, para su sorpresa, los sacerdotes destruyen el instrumento, pues no calza con el plan de la Federación Solar.

El protagonista regresa a la caverna donde descubrió la guitarra y, en un sueño, es guiado a una tierra de una belleza tan inmensa que, al despertar, el hombre no cree que la visión haya sido sólo una fantasía. Deprimiéndose más y más cada hora después de haber pasado varios días en la caverna, el hombre finalmente decidiendo que no puede seguir formando parte de la Federación y se toma la vida. Al mismo tiempo comienza una gran batalla interplanetaria y al final de la suite se escucha una voz diciendo: “atención, planetas de la Federación Solar: hemos tomado control”, dejando el final de la historia ambiguo, tal vez deliberadamente.

2112 comienza con "Obertura" (“Overture”), un movimiento instrumental largo al fin del cual se escucha la línea “y los humildes heredarán la Tierra”, una cita del Nuevo Testamento. Esta obertura contiene una adaptación para guitarra de un conocido pasaje musical de la Obertura 1812, de Tchaikovski.

Los sacerdotes: El segundo movimiento, “Los templos de Syrinx” (“The Temples of Syrinx”), presenta un contraste inmediato a la línea antedicha al presentar a los villanos arrogantes de la historia, los sacerdotes del templo de Syrinx. Ellos son caracterizados en la letra a través de su declamación soberbia: “todos los dones de la vida se encuentran dentro de nuestros muros”. [1] Los sacerdotes rigen la Tierra y fueron ellos quienes tras la guerra unieron a las colonias humanas supervivientes bajo la Estrella Roja de la Federación Solar, y supuestamente bajo principios de igualdad y hermandad – la referencia bíblica de la obertura parece aludir a la complacencia de la humanidad bajo el gobierno de los sacerdotes y la Federación Solar.

La voz cantante de Geddy Lee, cuyo registro es atípicamente alto, se escucha en este movimiento de manera casi estridente y procesada con muchos efectos, como parte de la caracterización de los sacerdotes. Su voz se oye más naturalmente en el siguiente movimiento, al introducir al protagonista.

El Protagonista: El tercer movimiento, “Descubrimiento” (“Discovery”), presenta al protagonista y narra su descubrimiento de la guitarra en el interior de una caverna remota. Alex Lifeson comienza con un pasaje simple que progresa en complejidad, ilustrando el progreso del protagonista a medida que este aprende a tocar el instrumento.

Confiado en que su descubrimiento causará una impresión favorable en los sacerdotes, el protagonista les muestra la guitarra en el cuarto movimiento, “Presentación” (“Presentation”). El diálogo entre el protagonista y los sacerdotes es reflejado musicalmente en el estilo delicado de la guitarra y la voz clara del cantante como el “hombre”, contrastando el estilo “pesado” y la voz más estridente que corresponden a los sacerdotes, quienes terminan destruyendo el instrumento diciendo que era “un juguete más que contribuyó a la destrucción de la raza antigua de los hombres”.

El protagonista regresa a casa deprimido y en el quinto movimiento, “El oráculo: El sueño“ (“Oracle: The Dream”), tiene un sueño donde un oráculo lo lleva en un viaje de visita a la “tierra maravillosa” de la raza antigua, adornada con “el trabajo de manos habilidosas”. El protagonista es deslumbrado con su belleza y esplendor, y con la manera en que sus habitantes tenían libertad para hacer y crear lo que quisieran. Además, en su sueño ve aumentar el poder de la raza antigua y sus preparaciones para regresar al presente y destruir los templos.

En el sexto movimiento, “Soliloquio” (“Soliloquy”), el protagonista despierta perturbado al darse cuenta de que aquel mundo perfecto nunca existirá para él, y se quita la vida en la caverna donde descubrió la guitarra, incapaz de soportar una vida sin las maravillas que, como él ha descubierto, la raza humana es capaz de crear. El séptimo movimiento, “Grand Finale”, es instrumental y concluye con la frase “atención, planetas de la Federación solar: hemos tomado control”. Algunos fans interpretan este final como indicador del retorno triunfal de la raza antigua, mientras que otros concluyen que representa el poder absoluto de los sacerdotes, una vez destruido su último disidente.

La banda, bajo la presión del sello discográfico de no componer otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, “Caress of Steel”, que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero para el grupo en figurar en los Top 100 en EE.UU. y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (junto con su siguiente álbum, “A Farewell to Kings” y “All the World’s a Stage”. El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico “Moving Pictures”.

CODIGO: O-25